theatrica

Espacios deportivos y teatro, unidos en una interesante alianza para el público

2011-06-30T12:43:00.003-03:00

En una buena idea para tener en cuenta, la Brooklyn Academy of Music -más conocida como BAM- ha anunciado una alianza con una institución vecina, el Barclays Center. Se anuncia la inauguración de este centro deportivo para septiembre de 2012, y el mismo incluirá un estadio cerrado con capacidad para 18.000 espectadores. Su actividad estará mayormente conectada a deportes como el box y el basketball (el centro será la sede oficial de un equipo local, los Nets).

Este acuerdo permitirá al reconocido centro teatral hacerse cargo de la programación artística anual del estadio (ubicado a apenas 2 cuadras de BAM), programación que se adelanta incluirá inevitablemente espectáculos a mayor escala en el estadio. Esto permitirá al teatro acercar a su público puestas en escena que de otro modo no podría ser montadas en ninguno de sus escenarios.

Según lo informado, la recaudación de boletería por estos espectáculos corresponderá a la empresa gerenciadora del centro deportivo, y BAM cobrará honorarios por programación. Una buena idea para ambas partes, y muy especialmente para el público teatral de Brooklyn y alrededores, y para los muchos turistas internacionales que son parte de su audiencia.

theatrica en la Universidad de Palermo: Clínica de Espectáculo y negocios

2010-10-18T10:54:00.002-03:00

19, 20 y 21 de Octubre
De 9.00 a 12.00 y de 14.00 a 17.00

PRESENTACIÓN
El manejo estratégico de las finanzas, el éxito en la búsqueda de recursos y la consolidación de una identidad marcaria única son factores que, asociados al concepto artístico, pueden ser determinantes en el éxito de un proyecto escénico. Esta clínica propone un recorrido por principios y estrategias de gestión para que emprendedores escénicos consoliden sus proyectos de modo sustentable, en un mercado cada vez más competitivo.

DESTINATARIOS
La clínica está dirigida a artistas relacionados con las artes escénicas interesados en adquirir herramientas de gestión. Cooperativas y colectivos vinculados a los campos del teatro, la danza, multimedia y afines. Propietarios, directores y administradores de salas independientes. Gestores culturales que se desarrollen en los ámbitos público y privado. Miembros de organizaciones no gubernamentales y fundaciones relacionadas a las artes escénicas.

CONTENIDOS
Módulo 1. Creación de valor | 19 de octubre, de 9 a 12 hs
Módulo 2. Planificación estratégica | 19 de octubre, de 14 a 17 hs
Módulo 3. Plan de negocios y comunicación | 20 de octubre, de 9 a 12 hs
Módulo 4. Dilema económico y oportunidad | 20 de octubre, de 14 a 17 hs
Módulo 5. Aspectos legales | 21 de octubre, de 9 a 12 hs
Módulo 6. Diseño del proyecto | 21 de octubre, de 14 a 17 hs

Haga click acá para mayor información, incsripción y aranceles.

Teatro sin fines de lucro atrae inversores además de donantes

2010-08-31T11:13:00.006-03:00

El Public Theather de Nueva York, creado por Joseph Papp con el objetivo de llevar a escena producciones teatrales de excelencia, que sean relevantes, innovadoras y accesibles para todos los públicos, y que cuenta con fuentes presupuestarias municipales, estatales y federales, ha anunciado que ha iniciado una campaña de búsqueda de capitales especiales para 2 producciones de la temporada 2011. Con esta campaña se buscará cubrir el 50% de los costos de producción de los espectáculos “Bloody Bloody Andrew Jackson” y “El Mercader de Venecia” (con Al Pacino), mientras que el 50% restante saldrá de la partida presupuestaria correspondiente a producción del teatro. (Nota: la cifra a recaudar es de alrededor de 2.7 millones de dólares para ambos espectáculos).

Esto se debe tanto a la excelente repercusión que ha logrado el último montaje de "Hair" por parte del teatro, como a la relación estable que el teatro ha sabido cultivar con un grupo de empresas que lo vienen acompañando a lo largo de los años.

En el marco de un teatro sin fines de lucro, como es éste, desde una unidad especial se trabaja con el objetivo específico de atraer inversores - y no auspiciantes ó donantes-. En una variación del sistema más tradicional de co-producción entre partners teatrales, se han incorporado así empresas de rubros no necesariamente relacionados con ningún campo del quehacer artístico, fundaciones y particulares, todos interesados en ser parte de una de las organizaciones culturales icónicas del país al mismo tiempo que participan del negocio teatral.

Más allá del espectáculo, los valores del Cirque du Soleil

2010-06-24T17:16:00.002-03:00

El Cirque du Soleil es una compañía canadiense creada por el artista callejero Guy Laliberté en el año 1984 en Québec, Canadá. Por ocasión de la presentación de su espectáculo Quidam en Buenos Aires, Gaétan Morency, vicepresidente de la empresa Cirque Du Soleil-Global Citizenship, estuvo en el Ministerio de Cultura de la ciudad para compartir ideas sobre el modelo de negocio sustentable que impulsa la compañía.

Para entenderlo, siguen algunas cifras del Cirque du Soleil:
- Empezaron en 1984 con 64 empleados,
- En 2010 llegan a 5.000, de los cuales 1.200 son artistas,
- Entre todos, suman más de 50 nacionalidades y hablan unos 25 idiomas diferentes,
- Casi 100 millones de espectadores han visto sus shows desde su creación,
- 15 millones de espectadores verán sus espectáculos a lo largo de 2010,
- Tienen en cartel 21 espectáculos en diferentes ciudades del mundo en este momento,
- Dedican 18 meses al proceso de creación de los espectáculos para giras, con una inversión promedio de 15 millones de dólares por espectáculo,
- Dedican 30 meses al mismo proceso para los espectáculos residentes en una ciudad, como por ejemplo, Las Vegas, Macao ó Tokio, invirtiendo un promedio de entre 40 a 45 millones de dólares por show,
- Dedican el 1% de su facturación total en programas de responsabilidad social empresaria. En 2010, esta cifra rondará los U$ 10 millones.

Responsable dentro de la estructura de la empresa por el desarrollo de relaciones con la comunidad, autoridades gubernamentales y empresariales, y de llevar a cabo la implementación de programas de acción cultural y social, Morency destacó la importancia de los 3 valores esenciales que son la base de la filosofía del Cirque du Soleil: Que la innovación permanente sea sinónimo del acto creativo, la búsqueda de la excelencia en la performance de cada artista, y que permanentemente se desarrolle el concepto de ciudadanía, entendiéndolo como el equilibrio entre un medio ambiente sustentable, el desarrollo económico y la inclusión de los sectores desfavorecidos de la sociedad.

Ejemplo de la verdadera responsabilidad social empresaria, el Cirque du Soleil publicita poco ó nada las tareas sociales que lleva a cabo de manera estable a lo largo de los últimos años. Desde programas educativos para jóvenes artistas de talento hasta la creación de campañas de concientización sobre el SIDA y programas para facilitar el acceso al agua potable en diversas regiones del mundo, el Cirque no pierde oportunidad, según Morency, de intentar transmitir los valores de la compañía a sus espectadores, partners, socios y aliados, donde quiera se encuentren. Ciudadanos del mundo, como Guy Laliberté gusta definirse.

que esperar de las asociaciones de amigos de organismos culturales

2010-04-03T14:46:00.002-03:00

Permanentemente escuchamos hablar de las diferentes asociaciones de amigos y fundaciones que apoyan las actividades de diversas organizaciones culturales. Que están para colaborar con esas instituciones. Que están para ayudar a recaudar fondos en tiempos de aprietos presupuestarios. Que deben ocuparse de generar permanentemente formas de atraer a nuevos donantes. Que deben servir de facilitadores entre empresas y la institución. Etc, etc, etc. Sin embargo, en más de una oportunidad nos encontramos con que administradores/directores de esas mismas instituciones se encuentran con dificultades al momento de utilizar y asignar los recursos generados por esa misma asociación ó fundación, cuya misión no es otra que ésa: colaborar en el sentido más amplio de la palabra con esa institución.

Que es lo que lleva a una persona a participar de una asociación de amigos de este tipo? En líneas generales, quienes se acercan a estas organizaciones lo hacen llevados por un profundo y genuino deseo de que su aporte -sea financiero, sea simplemente el de abrir puertas con contactos importantes para la institución cultural, sea el de servir de portavoz mediático- marque una real diferencia en la vida de la misma, y que ésta pueda cumplir con su misión.

Pero también hay quienes se acercan a las fundaciones por otros motivos, no menos honestos, pero que a veces no se traducen en una verdadera fuente de colaboración: porque los estimula el deseo de pertenecer a una determinada institución, porque buscan algún tipo de reconocimiento más ó menos público en cierto segmento de la sociedad, porque son fanáticos de la dirección artística de la organización... Y finalmente hay quienes se acercan porque han entendido la ecuación exactamente al revés: confían que el pertenecer al museo, al teatro ó a la compañía de ballet les contagiará automáticamente un poco del brillo que de ellos se desprende.

En algunos países del exterior esto ha sido debidamente analizado y soluciones han sido pensadas para evitar la proliferación de quienes entienden que participar de un asociación de amigos es poco más que salir en una foto en las revistas dominicales. Miembros de los directorios de fundaciones y afines deben, en algunos casos rendir una especie de "examen" (al final de cada período se audita su nivel de recaudación de fondos, la cantidad de contactos de importancia acercados, los nuevos socios aportados, etc.). En otros casos, deben realizar un aporte mediante una "donación/cuota de ingreso" y posteriores donaciones anuales, (de valores variados -en general los museos son más "caros" que las organizaciones dedicadas al espectáculo en vivo-). Así, quienes no cumplen con lo previsto son invitados a retirarse, ó si son renovados en sus cargos pierden el derecho al voto.

No todas las personas que se acercan a una fundación pueden realizar aportes dinerarios, pero sí pueden aportar talento, contactos ó servicios necesarios para la institución cultural.

Y no todas las tareas que vienen de la mano con la pertenencia a una fundación tienen glamour. A muchos directores y administradores de organizaciones culturales les gustaría que sus directorios participen de manera más activa en sus actividades, y que generen proyectos e ideas que vayan más allá de las tradicionales cenas de gala.

El valor de 30 millones de dólares

2010-03-29T13:38:00.003-03:00

“No invertimos dinero para generar más dinero, sino para crear una programación estimulante y una mayor accesibilidad que nos permita ganar mayores audiencias” (Peter Gelb, Director General del MET)

El Metropolitan Opera House recibió hace algunos días la mayor donación comprometida por un particular en toda la historia de la institución (30 millones de dólares). La donante, Ann Ziff, es miembro del directorio del Met desde hace varios años y una reconocida mecenas de las artes musicales en Estados Unidos.

Aún guardando las enormes distancias que separan este hecho de nuestro contexto local es posible rescatar algunos conceptos que hacen que esta donación en particular sea especialmente interesante en el marco de nuestra realidad, en donde el mecenazgo bien entendido aún es una novedad:

1. La donante no ha puesto ningún tipo de limitación a la aplicación del monto donado: En regla general las grandes donaciones tienen un destino prefijado (la construcción de una nueva sala en un museo, una sala de ensayos, el montaje de un espectáculo, etc.) y es norma que el espacio inaugurado lleve el nombre del donante ó de su familia. Al contrario, Ziff ha dicho expresamente que el dinero podría ser utilizado –librándolo al criterio de la dirección general del Met- para ayudar a cubrir sus deficiencias presupuestarias. Si consideramos que el presupuesto operacional anual del Met para 2010 es de alrededor de 300 millones de dólares, una donación equivalente al 10% de ese presupuesto y sin restricciones en cuanto a su utilización es indudablemente una gran apuesta que demuestra la confianza en una institución cultural única.

2. La donante declara que muchas veces los espectáculos llevados a escena en el Met no son de su agrado: Esta confianza es todavía más evidente cuando nos enteramos que según ella, no es importante, como benefactora de la organización, que le guste ó no un espectáculo montado en sus escenarios. Lo importante, agrega, es que la organización se arriesgue a puestas en escena que talvez no atraigan al público tradicional pero que permitan abrir vías de llegada a nuevos públicos. Y declara que “para atraer a los nuevos públicos, debemos probar con cosas nuevas”. Esto puede ser considerado como una simple demostración del poder inspirador de una organización cultural con misión y visión claras.

3. Efecto contagioso: Esta trascendental donación individual ha llevado a que otros miembros del directorio del Met hayan seguido los pasos de su colega, lográndose donaciones por otros 30 millones de dólares.

4. La importancia de seguir apoyando a las organizaciones culturales: Para la donante, es fundamental seguir apoyando a estas organizaciones ya que está convencida de que un recorte presupuestario se iguala a un recorte en el legado cultural que se deja para el futuro. Es más, agrega que es justamente en los momentos de crisis cuando mayor atención se le debe brindar a la misión y a la visión de la organización, para tenerlos presentes y elevar aún más los standards de excelencia deseados.

Más allá de los significativos beneficios fiscales que la Sra. Ziff indudablemente recibirá por esta donación, es gratificante oír estos conceptos, dichos nada más ni nada menos que por una persona que no desea que su propio nombre figure en un cartelito de bronce, y cuanto menos en una marquesina de neón.

cuando un auspicio genera pérdida de identidad

2010-03-21T15:04:00.005-03:00

La nota publicada hoy por Pablo Sirvén ("Los sponsors hacen valer fuerte su dinero- Pros y contras de las inversiones en espectáculos") no podría ser más clara sobre la situación ante la cual muchas instituciones teatrales se encuentran al momento de negociar acuerdos por auspicios institucionales con grandes marcas comerciales.

Estas, en su afán por acercar cada vez más valor a sus clientes, socios, accionistas y porqué no, a la comunidad en general, a veces acercan propuestas que en un panorama que combina presupuestos reducidos, alzas permanentes en los valores de producción, merma en la venta de localidades (no por falta de propuestas de interés sino al contrario, por la enorme oferta que lleva al espectador a ser cada vez más selectivo en su decisión de compra) tienen por resultado que grandes instituciones con años de trayectoria se dejen tentar por fabulosos acuerdos comerciales que implican una pérdida -temporaria en la mayoría de los casos- de su identidad marcaria.

El caso del histórico Teatro Opera, que por estos días ha cambiado su marquesina y ya se ha transformado en el Teatro Citi, es un ejemplo más de lo que Sirvén, en su artículo, describe como una oportunidad perdida ("...la asociación entre el nombre tradicional y el actual se habrían potenciado mutuamente"...): Porqué no sumar esfuerzos y tradiciones, en vez de restarle identidad a una institución que es parte de la historia teatral de la ciudad de Buenos Aires?

Debemos preocuparnos, pero a la vez confiar en la pasión y en el respeto que mueve al público teatral: Cuántos espectadores dejarán de llamar al Opera por su nombre e incorporarán su nueva marca?

"No puedo hablar ahora, el rey se está muriendo"

2010-02-22T11:11:00.004-03:00

Una nota publicada en el NYTimes comienza dando cuenta de la siguiente anécdota: un productor teatral estaba asistiendo hace algunos años a una función de "El Rey y yo", cuando sonó el celular de una mujer sentada cerca suyo en la platea. La espectadora respondió el llamado con la frase mencionada.

El aviso previo a los espectáculos en vivo que solicita a los espectadores apagar sus celulares y no filmar ó fotografiar durante las funciones es objeto de discusión en todas partes. Algunos directores teatrales le incorporan a los avisos la línea artística del espectáculo, unos pocos directamente los incluyen como parte del espectáculo, y otros prefieren colocar anuncios en lugares bien visibles -y/ó en los programas de mano- antes del ingreso a la sala para evitar romper el clima del espectáculo a presentarse. Actores y actrices en diferentes escenarios han llegado a interrumpir parlamentos durante algún llamado entre el público, pidiendo incluso al espectador a responderlo.

Quien de nosotros no ha sufrido espectadores vecinos que hablaban bajito por su celular ó chateaban vía una pantallita hiperluminosa durante una función? Es posible que la necesidad de estar permanentemente conectados no "perdone" al ámbito del teatro (o de un concierto, ó de un show)? Muchos teatros no sólo informan a sus públicos sobre sus espectáculos, precios de localidades y demás servicios, sino que han decidido emprender proactivamente una tarea informativa hacia sus espectadores, que va desde la provisión de información más detallada sobre el período histórico en que se desarrolla un determinado espectáculo, hasta códigos de vestimenta y "etiqueta del espectador". Funcionará?

Más espectadores y mayores ingresos - motivo de controversia en el American Repertory Theather

2010-02-08T15:37:00.002-03:00

La controversia llegó al American Repertory Theater (A.R.T.) con el nombramiento de su nueva directora artística, Diane Paulus, hace algunos meses.

Conocida por la puesta en escena de espectáculos que involucran activamente a los espectadores en el escenario (por ejemplo, al final de “Hair”, actualmente en cartel en Broadway, el público baila alocadamente con el elenco sobre el escenario), su desembarco en el A.R.T. ha despertado gran controversia, principalmente en ámbitos académicos. El teatro, fundado en 1980, se ha caracterizado desde su creación por montajes experimentales, siendo reconocido internacionalmente como uno de los teatros más importantes de los Estados Unidos. Pero es, a la vez, el partner académico-teatral de la Universidad de Harvard (que aporta un 20% de su presupuesto anual) y responsable por el Institute for Advanced Theater Training de la universidad, conjuntamente con el Moscow Art Theater School.

En el centro de la controversia está el notable aumento en la venta de localidades y en los nuevos públicos (jóvenes preponderantemente) que se han ido acercando al A.R.T. desde que asumió la nueva directora artística. Las preguntas inevitables que muchos se hacen van desde “si, viene más público, pero realmente sale de la función movilizado luego de ver puestas menos solemnes?” hasta “hay que sacrificar el arte y hacer propuestas más populares?” ó incluso “si una entidad académica financia un teatro y lo hace en aras de la educación, porqué le debería importar la cantidad de localidades vendidas?”.

Nada de esto parece molestar a la directora. Su influencia en la programación se ha hecho notar inmediatamente, llegando incluso al desarrollo de una nueva iniciativa (“Experience the A.R.T.”/”Experimente el A.R.T.”) que, si bien está relacionada con la misión institucional del teatro, que habla de expandir los límites tradicionales del teatro, le suma su concepción acerca de que una función teatral hoy puede ser más que un grupo de espectadores sentados en una platea. Para Paulus, el teatro es una oportunidad para que la gente se reúna y disfrute y experimente en carne propia, entre todos, el hecho teatral, un poco a la usanza del teatro medieval ó del teatro hindú.

Más espectadores y mayores ingresos son en general un deseo común en quienes se dedican al teatro en cualquier lugar del mundo. Y como dijo la directora en una reciente entrevista a medios norteamericanos, “En el siglo V AC el teatro ocupaba en Grecia un rol central en la vida social y religiosa de la comunidad. El teatro de hoy, concebido con público sentado en butacas atornilladas al piso es apenas un tipo de teatro… Estamos recuperando espectadores, que seguramente querrán ser desafiados y ver cada vez más trabajos experimentales… pero sin quedarse dormidos en sus butacas”. Le quedan aún 4 años y medio de gestión, y será más que interesante ver si la programación que lleve adelante logrará cumplir ese objetivo.

Reglas de etiqueta para espectadores teatrales

2009-07-30T12:01:00.005-03:00

No a las pulseras con dijes ruidosos durante una función teatral o musical!

Quien no se ha sentido irritado alguna vez durante una función teatral al oir a un espectador cercano hurgar en un bolso o cartera, para buscar un paquete de caramelos? Peor aún, cuando el susodicho abre el papel del caramelo despacito... intentando haciendo el menor ruido posible, pero prolongando la tortura sonora más todavía?

El Times de Londres ha publicado hoy una jocosa nota al respecto, presentando un compendio con 15 reglas de etiqueta básicas a seguir para una cordial - y silenciosa- convivencia teatral. Entre ellas menciona desconectar todo tipo de artefacto comunicacional, no narrar lo que pasa sobre el escenario al acompañante sordo, no roncar, no aplaudir cuando un famoso entra en escena por primera vez, no toser en masa, y varias más.

Casi todas son obviedades que hacen a la convivencia y la experiencia teatral entre espectadores y el elenco sobre el escenario. Algunos teatros en el mundo ya vienen brindando sus propias "sugerencias" de etiqueta en sus páginas web desde hace varios años. Talvez no sea una mala idea que los espectadores reciban, al momento de la compra de localidades, algunos datos al respecto. La enorme mayoría de los espectadores seguramente estarán agradecidos. Y los actores ó músicos, mucho más!

La Casa Blanca y Broadway

2009-05-13T11:21:00.003-03:00

La administración de Obama Barak ha anunciado ayer el nombramiento de Rocco Landesman, un reconocido y exitoso productor de Broadway (Los productores y Angeles en América, entre otros) al frente del National Endowment for the Arts (Fondo Nacional para las Artes).

Landesman, accionista mayoritario de una empresa propietaria de 5 salas teatrales, es reconocido por sus declaraciones apasionadas sobre políticas culturales, focalizándose en las muchas veces complicadas relaciones entre el teatro sin fines de lucro y el teatro comercial en su país. Además de su actividad como productor teatral (premios Tony incluidos) ha sido un activo defensor de acciones tendientes a mejorar la seguridad y la limpieza de los espacios públicos de Nueva York, considerando que la educación y la preservación del patrimonio urbano son también una parte importante de la experiencia del ciudadano que elige ver un espectáculo teatral.

Controvertido también porque un rumor persistente hace años lo menciona como el verdadero autor de algunos de los libros del escritor Jerzy Kosinki, sin embargo su nombramiento (que aún deberá ser confirmado por el Congreso norteamericano) ha despertado una gran esperanza en el ambiente artístico en su país. El dramaturgo Tony Kushner, por ejemplo, declaró que "este nombramiento es en potencial la mejor noticia que la comunidad cultural ha recibido en Estados Unidos desde el nacimiento de Walt Withman".

Se estima que la elección de Landesman implica que se buscará darle un giro a la gestión del NEA , y que se focalizará en ampliar las fuentes de financiamiento para las artes en general. (Más información aquí).

nos alegramos con el éxito de nuestros clientes

2009-03-06T19:37:00.003-02:00

compartimos con ustedes esta nota de Susana Reinoso, publicada en La Nación de ayer: El circo, la nueva pasión de Buenos Aires

A buen resguardo tiene el gobierno porteño a su nuevo niño mimado, que presentará oficialmente el 23 de este mes. Se trata de Polo Circo, un megaproyecto que incluye dos ejes: la formación, creación y difusión de las artes del circo, con producciones de vanguardia y el fomento de la creación local, y el circo como herramienta de inclusión social de la población más vulnerable que son, en todas partes, los niños y los adolescentes. En el medio, el primer Festival de Circo se realizará en junio próximo con la presencia de las seis compañías más destacadas de Francia, país que ha mostrado con fehaciencia la importancia del circo en la inclusión de jóvenes de poblaciones marginales, rescatados del consumo de drogas y de la violencia...

...El aperitivo del megaproyecto fue servido la semana última en la Costanera Sur, con un espectáculo que coordinó Gabriela Ricardes, futura directora de Polo Circo, y co-creadora de El Coreto, una institución que enseña y difunde las artes del circo en Argentina, creada en junio de 2000. Por la reacción de la audiencia, sentada en el césped y pendiente del espectáculo cuya estética combina de manera armoniosa las artes circenses, el teatro, el tango, la tecnología y las artes visuales, el circo ya tiene un público en Buenos Aires.

Desde su creación, El Coreto ha sido el escenario de una didáctica de las artes del circo, que además de proporcionar un medio de vida a los jóvenes y adultos que se acercan, actúa como un contenedor social para niños y jóvenes. El Coreto ha sellado convenios con las más prestigiosas instituciones de circo internacionales. Por ejemplo, la Ecole Nationale de Cirque de Rosny, Francia; Big Apple Circus, de Nueva York; the Free Dome Project, de Israel.... Para leer la nota completa visitar:

El circo, la nueva pasión de Buenos Aires

nuevas formas de pensar: tecnología y alternativas para colaboración musical

2009-03-04T17:07:00.000-02:00

Recomendamos la lectura de este artículo de Sebastián D´Angelo publicado hoy por Infobrand:
YouTube, orquesta virtual: Es el primer proyecto de colaboración artística en línea. Desde todo el mundo comparten su creatividad, dándose a conocer a escala planetaria. Ricardo Blanco, Communications YouTube América Latina, nos cuenta más sobre esta singular experiencia

Se eligieron músicos de treinta países y ya están los videos ganadores en www.YouTube.com/Symphony. La propuesta no sería rara sino fuera que su coordinación se realiza on line. La consigna: formar una orquesta de música clásica con talentos del mundo y todo coordinado por YouTube. La música clásica junta a la gente trasciende idiomas. Esta iniciativa no solo se limita a la colaboración sino al aprendizaje que puede suceder online y trasladarse luego a la conjunción sinfónica en un lugar físico como el Carnegie Hall. Además con una plataforma tecnológica como YouTube que en este caso sirve para demostrar la innovación cultural y su creatividad.

Escenarios múltiples: Desde el lanzamiento se han recibido videos de concursantes de más de setenta países en seis continentes en donde dan a conocer su maestría sobre más de veinticinco instrumentos. "La gente se mostró ejecutando las piezas desde habitaciones, en cuartos de ensayo, en escenarios de teatros neoclásicos, en los recibidores de casas tocando violines italianos, pianos de pie antiguos y varios instrumentos más. Estamos muy contentos de haber recibido más de tres mil audiciones y particularmente deleitados con el talento y la diversidad de los participantes" le reveló Blanco a Infobrand. Es la primera vez que YouTube se mete en este tipo de iniciativas. Para Blanco: "Ha sido muy excitante la experiencia de crear la primera orquesta de colaboración en línea".

Amplitud artística: Ricardo nos explicó que la colaboración es un puente a otras expresiones artísticas: "El concepto de reunir a la gente en una plataforma interactiva como YouTube tiene implicaciones mucho más amplias y puede ser aplicada fácilmente a otras formas artísticas. La colaboración puede conectar ideas creativas de todo el mundo como lo son la danza, los musicales, la pintura, el diseño o el cine. Habrá que imaginar cuantas posibilidades hay para quienes buscan mejores y mayores formas de colaborar e interactuar dentro de la comunidad de YouTube". Por otro lado, el directivo se mostró conforme con el nivel exhibido por los participantes y las expectativas aumentan de cara a lo que se viene: "La calidad de las audiciones ha sido muy alta y estamos muy contentos de tener la oportunidad de invitar a más de noventa músicos a tocar en el Carnegie Hall. Leer los comentarios hechos en los videos que participaron ha sido especialmente emocionante para nosotros al ver cómo estos videos hablan e interactúan con la comunidad de YouTube".

Le consultamos si habría otra oportunidad a la luz de las participaciones y de la calidad de las mismas pero prefirió ser cauto: "Las participaciones de músicos se podrán ver sin importar la hora, el lugar o el día, por lo que esperamos que sirva como punto de encuentro para músicos establecidos y el talento que está por nacer y así puedan colaborar de manera única de forma agradable y creativa. Este fue el objetivo primario y tal vez algún día habrá una segunda Orquesta Sinfónica YouTube".

propiedad intelectual y buen humor

2009-02-26T16:52:00.006-02:00

la empresa telefónica alemana T-Mobile ha iniciado acciones legales contra algunas empresas holandesas que utilizan el color magenta (color que identifica a la marca) en sus campañas gráficas, alegando que el color sería de uso exclusivo de la marca.

y como el magenta identifica también a theatrica, queremos simplemente compartir con ustedes el buen humor desplegado por un grupo de diseñadores gráficos de todo el mundo, reunidos en freemagenta, en respuesta a la empresa telefónica.

Inscripción abierta: Herramientas de autogestión en teatro y danza

2009-02-26T16:12:00.004-02:00

Anunciamos el próximo seminario intensivo “Herramientas para autogestión en teatro y danza: de la idea al proyecto”

Formato del seminario intensivo: viernes 17, sábado 18 y domingo 19 de abril.
Días y horarios: Viernes 17 y sábado 18 de 10:00 a 17:30, domingo 19 de 10:00 a 13:00.
Lugar: Casona del Arte Foro Gandhi, Av. Corrientes 1743, 1º piso
INSCRIPICION ABIERTA-VACANTES LIMITADAS

El objetivo de este seminario intensivo de un fin de semana es brindar a quienes están dedicados a la creación artística en los campos del teatro y la danza, información clara y directa que les permita consolidarse y desarrollarse profesionalmente en un ámbito que requiere cada vez de más solidez y creatividad en el diseño, la formulación y la concreción de proyectos.

¿Qué hacer, y cómo hacerlo? ¿Qué posibilidades concretas existen para desarrollar una idea y llevarla a la práctica? ¿A que públicos nos dirigimos, y cómo nos comunicamos con ellos? ¿Cómo definir y comunicar un proyecto específico? ¿Cómo y a quién venderlo? ¿Cómo hallar socios estratégicos que fortalezcan nuestro proyecto?

Todos éstos son interrogantes que muchas veces los artistas no abordan, y que pueden definir el éxito ó el fracaso de un proyecto.El seminario está destinado tanto a cooperativas y agrupaciones colectivas vinculadas al campo del teatro y la danza, como a dueños y gerentes de salas independientes y clubes de cultura.

Contenidos del seminario:
• Módulo 1. Teoría de las organizaciones. Tipos de organizaciones: proyectos grupales e individuales. Misión, visión, y valores. De la administración tradicional a la administración estratégica y competitiva.
● Módulo 2. Los formatos asociativos en las organizaciones privadas (comerciales e independientes). Modalidades de gestión. Teatros públicos. Teatros privados: comerciales e independientes. Teatros institucionales. Compañías. Colectivos artísticos.
● Módulo 3. Identidad e imagen institucional. La marca. Abordaje organizacional: identidad y estructura. Estructuras organizacionales aplicables al sector de las artes del espectáculo.
• Módulo 4. Experiencias comunicacionales con diversos públicos. Marketing. Publicidad. Relaciones públicas. Relaciones con los medios de comunicación. Diseño de estrategias comunicacionales y selección de tácticas apropiadas según el tipo de proyecto y organización.
• Módulo 5. Legislación aplicada. El marco laboral en las artes del espectáculo. Ley de contrato de trabajo y convenios colectivos del sector. La gestión de la seguridad en las salas teatrales: normativa sobre habilitaciones y registros.
● Módulo 6. El derecho a la protección intelectual. Conceptos de protección moral y patrimonial del derecho de autor. Las sociedades de gestión de derechos en la Argentina y en el exterior.
• Módulo 7. Financiamiento y autogestión. Búsqueda de recursos: subsidios públicos y fondos privados. Los institutos estatales: Proteatro, Prodanza, Fondo Nacional de las Artes, Fondo Metropolitano de Cultura. El desarrollo de alianzas sinérgicas: donación, auspicio y patrocinio.
• Módulo 8. La planificación estratégica: Cómo pensar en el futuro. De la idea al proyecto: diseño, planificación, gestión y evaluación de proyectos.

Información e inscripción: adrischottlender@infovia.com.ar, tels. 4952-8431 y 155-1203849

Obama y la cultura como motor para la recuperación económica

2009-01-26T15:18:00.004-02:00

Los aires de cambio y esperanza que se viven actualmente en Estados Unidos ante la asunción del presidente Obama han renovado entre organizaciones y líderes del ambiente artístico y cultural del país la necesidad de volver a la carga con un pedido: que la nueva administración asimile que las artes y la cultura son importantes revitalizadoras de la economía. Y que talvez no sería una mala idea... incorporar un secretario de cultura al gabinete.

Ante un panorama en el que la recuperación de la economía es prioritaria, el mundo de las artes y la cultura en general en los Estados Unidos ya ha empezado a enviarle un mensaje claro al nuevo presidente. Varias figuras ya se han expresado públicamente al respecto de modo muy concreto –los esfuerzos de recuperación económica de la nación, sea a través de la asignación de mayores presupuestos ó de la creación de nuevos empleos, no pueden dejar de lado a las instituciones culturales y artísticas-.

La figura de un secretario de rango afín a otros ya habituales en el Consejo de Políticas Domésticas en Washington le otorgaría una mayor relevancia a las artes y a la cultura, en un país en que el cargo no es obligatoriamente cubierto en todas las administraciones (los ex presidentes Kennedy, Nixon y Johnson han tenido secretarios de cultura).

El músico y productor Quincy Jones, en una entrevista radial dijo que “le rogaría por un secretario para las artes” a Obama, a ejemplo de lo que sucede en diversos países del mundo. El presidente de Opera America, Marc Scorca, dijo que “Los trabajos en el arte son trabajos”. En la misma línea, “El recibo de sueldo de un trabajador de las artes es tan importante como el recibo de sueldo de un trabajador de las industrias del acero o automotriz”, dijo Robert Lynch, presidente de Americans for the Arts.

Las 100.000 ONGs relacionadas con actividades artísticas en Estados Unidos emplean alrededor de 6 millones de personas, e inyectan unos 167 billones de dólares por año en la economía del país. Un dato no menor que la nueva administración seguramente tendrá en cuenta.

(Recomendamos la lectura de este artículo publicado en el New York Times de hoy).

rock y sponsors: la alianza del año

2008-12-13T22:25:00.002-02:00

recomendamos la lectura de esta nota publicada hoy en la nación: el patrocinio avanza en la producción de los shows de rock e impone sus reglas a paso firme y veloz

Como tatuajes, las marcas buscan estampar su logo a la cada vez más flexible piel del rock local, pero a diferencia de ellos, tan dolorosos en su aplicación como en el intento de borrarlos, la sociedad entre la música en directo y los patrocinadores cobra hoy características de indeleble.
Después de ver los impactantes shows de Nine Inch Nails en el Club Ciudad y, especialmente, Madonna en el estadio de River, es imposible imaginar un concierto de esas características sin el dinero que aportan las grandes firmas. También sería de ilusos suponer que el rock local puede prescindir de Pepsi, Quilmes y Personal ?por mencionar sólo a las marcas que encabezan festivales con su nombre- y contar con el sonido y la escenografía de los conciertos que tienen el apoyo de estos gigantes. Las telas negras y peladas a ambos lados del escenario equivalen hoy a un sonido chiquito, una puesta humilde y una producción del siglo pasado. para leer la nota completa de sebastián espósito, clikar aquí.

la autogestión de proyectos en el mercado de la música

2008-12-02T20:12:00.009-02:00

hemos terminado de dictar la segunda edición del seminario "el músico emprendedor: claves para la autogestión de proyectos". este seminario se llevó a cabo en espacio ecléctico los días 25 de octubre 1, 8, 15, 22 y 29 de noviembre de 2008.

el objetivo de este curso fue ofrecer contenidos específicamente desarrollados por theatrica para la comunidad de músicos, con información clara y directa que les permita consolidarse y desarrollarse profesionalmente en un ámbito que requiere cada vez más solidez y creatividad en la formulación y concreción de proyectos. ¿Qué hacer? ¿Cómo hacerlo? ¿Qué posibilidades concretas existen para desarrollar una idea? ¿Cuales son los públicos? ¿Cómo definir y comunicar un proyecto? ¿Cómo y a quién venderlo? Interrogantes que muchas veces los artistas no abordan, y que pueden definir el éxito ó el fracaso de un proyecto.

los contenidos del curso fueron los siguientes:

• módulo 1. La organización unipersonal y grupal. Misión y visión. Su importancia tanto en proyectos individuales como grupales. Identidad e imagen institucional. Marca.
• módulo 2. Comunicación. Marketing. Publicidad. Relaciones públicas. Herramientas comunicacionales viables para el sector.
• módulo 3. Planificación estratégica. Idea versus proyecto. Diseño de proyectos.
• módulo 4. Legislación. Derecho de autor. Protección moral y patrimonial del derecho de autor. Sociedades de gestión de derechos.
• módulo 5. a. Financiamiento. b. Autogestión en el mercado de la música.
• módulo 6. Taller

la ciudad con más teatros del mundo

2008-11-26T23:16:00.002-02:00

recomendamos la lectura de esta nota publicada en la nación de hoy: Con alrededor de 400 obras en cartel y 187 salas, Buenos Aires se impone ante París y Nueva York, por Laura Ventura.

Nueva York es la ciudad de los rascacielos; París, la de los museos. ¿Y Buenos Aires? ¿Qué la define y distingue de las demás capitales del mundo? A pesar de que muchos teatros se demolieron cuando la calle Corrientes se convirtió en avenida, las salas y sus escenarios siguieron multiplicándose y se instalaron a lo largo y ancho del mapa porteño. Ni Caminito ni el Obelisco. La Reina del Plata se destaca del resto de las ciudades por la cantidad de salas y propuestas que ofrece. más

recomendamos

2008-11-12T20:53:00.003-02:00

"Canciones, publicite aquí"

2008-10-18T20:24:00.006-03:00

Unilever, Bacardi, Starbucks, y Victoria’s Secret son apenas algunas de las marcas de alcance global que han entendido que es posible buscar nuevas formas para comunicar productos y servicios a sus públicos y brindar al mismo tiempo contenidos de calidad. Esto ha llevado al surgimiento de un nuevo modelo de negocio en la industria de la música, directamente relacionado con la creación de nuevas alianzas creativas.

(Carla Bruni fue la voz elegida para la campaña de una conocida marca de caldos, Jorge Drexler le puso la voz a una marca de sopas y se hizo popular)

Recomendamos la nota de Gabriel Plaza publicada hoy en La Nación (Canciones, publicite aquí. La música pop y las marcas viven un "romance interesado", en el que ambos salen ganando: artistas y publicidades se hicieron famosas gracias a un público ávido de consumo) ya que pone en evidencia un concepto que desde theatrica venimos refiriendo a clientes y alumnos desde hace mucho tiempo:

Es hora de asumir finalmente que el “estigma” de la alianza del artista con una marca (más o menos masiva) ya es una cosa del pasado, porque el oyente de música de hoy es un consumidor inteligente, que busca cada vez más valor, contenidos y calidad. Ya no nos importa si la música que escuchamos proviene de una discográfica globalmente consagrada, de una marca de bebidas, ó de un fabricante de ropa. Músicos, fans y marcas confluyen cada vez más en un mismo punto: la búsqueda de ese mundo mejor que nos transmiten tanto la canción que nos hace felices al escucharla, como la zapatilla que nos hace correr más rápido.

nuevas fechas - seminario: "el músico emprendedor: claves para la autogestión de proyectos"

2008-08-31T19:58:00.009-03:00

anunciamos la segunda edición del seminario "el músico emprendedor: claves para la autogestión de proyectos"

25 de octubre 1, 8, 15, 22 y 29 de noviembre 2008

El objetivo del curso es ofrecer a la comunidad de músicos información clara y directa que les permita consolidarse y desarrollarse profesionalmente en un ámbito que requiere cada vez más solidez y creatividad en la formulación y concreción de proyectos. ¿Qué hacer? ¿Cómo hacerlo? ¿Qué posibilidades concretas existen para desarrollar una idea? ¿Cuales son los públicos? ¿Cómo definir y comunicar un proyecto? ¿Cómo y a quién venderlo? Interrogantes que muchas veces los artistas no abordan, y que pueden definir el éxito ó el fracaso de un proyecto.

Día y horario: sábados de 15 a 18hs.
Fechas: 25 de octubre 1, 8, 15, 22 y 29 de noviembre de 2008

"Cirque du Soleil, desde la óptica de la industria del entretenimiento"

2008-07-19T15:17:00.003-03:00

una efectiva rueda de la fortuna

cueste lo que cueste, un elaborado mecanismo de producción hace posible estrenar un espectáculo por temporada

theatrica recomienda la lectura de este artículo de alejandro cruz para la nación de hoy.

El domingo de la semana próxima concluirá la segunda visita del Cirque du Soleil a Buenos Aires. Como era de esperar, su andar nunca pasa inadvertido. Si bien en términos artísticos su apuesta es casi inobjetable, en términos del negocio también lo es. La marca Cirque funciona tan bien que, de hecho, a un día del estreno de Alegría en territorio porteño, las entradas más baratas (una forma de decir, porque salían 150 pesos) ya se habían evaporado. Eso sí: si usted está dispuesto a invertir a partir de 300 pesos, no tendrá muchos problemas en conseguir un lugar en las últimas funciones.

El crecimiento de esta verdadera fábrica de magia y dólares comenzó en un momento en el cual el circo como tal estaba en retirada. Sin embargo, esta empresa fundada en 1984 generó un nuevo código artístico acompañado por una estrategia empresarial pensada para producir un nuevo show cada año. Así fue como Guy Laliberté, creador de esta rueda de la magia y la fortuna, pasó de ser un artista callejero a ser elegido por la revista Time como una de las 100 personas más influyentes del mundo en apenas 20 años. Un grande.

Según cifras extraoficiales, la factoría de los chicos del Sol factura entre 500 y 600 millones de dólares anuales. Y como se ha convertido en un empresa muy redituable, hace un mes, cuando desembarcó Alegría en esta ciudad, la directora de relaciones públicas del Cirque tuvo que salir a desmentir que la empresa estuviera en venta. Es que, según el diario inglés Daily Telegraph , la compañía había recibido una oferta de compra de un holding de Dubai (el petróleo todo lo puede). Según dicho medio, la empresa del Sol saldría cerca de 2.000 millones de dólares.

Definitivamente, la bohemia de los primeros tiempos ya es historia.
Su negocio global parece funcionar a la perfección. Por lo pronto, el mapa Cirque es impresionante. Repasemos: Kooza está de gira por los Estados Unidos; Quidam , por España; Corteo , por Canadá; Dralion , por Australia; Varekai , por Alemania; y Alegría , por América del Sur. Por si fuera poco, a esto hay que agregarle otros nueve espectáculos que hacen funciones regulares en teatros, estadios y hoteles de Las Vegas, Nueva York, Orlando y Tokio. O sea, un negocio sin fronteras con sede central en Montreal en donde trabajan unas 4000 personas de un promedio de edad de 35 años, que vienen de más de 40 países.

"Los espectáculos forman parte del show business en el que todo tiene que estar cuidado desde la perspectiva del negocio. Pero debería decir que el significado artístico del espectáculo está absolutamente por encima de cualquier otra cosa", dijo Matthew Marholin, director artístico de Alegría cuando LA NACION lo entrevistó en Porto Alegre hace cosa de un mes.

Un circo en las pampas
En la primera presentación del Cirque en Buenos Aires, dos años atrás, el 40 por ciento de las entradas de Saltimbanco se vendieron en los primeros diez días. El fenómeno de venta anticipada colapsó las líneas de Ticketek: alcanzó parámetros similares a los que habían logrado U2 y los Rolling Stones.

En dicha ocasión hubo 122.990 butacas en venta, por lo que se logró una ganancia de 28.171.000 pesos (cifra que se obtiene cruzando la cantidad de funciones que estuvieron en venta y los precios y cantidad de butacas por sector teniendo en cuenta que, según se informó en su oportunidad, siempre trabajaron a carpa llena). "De todos modos, creo que fue un negocio razonable ya que es un producto muy caro", reconoció en aquella vez Marcelo Ripoll, representante de CIE, la empresa que trajo por primera vez al Cirque.

En Brasil, de donde vienen de recorrer varias ciudades, el cartelito de sold out fue una fija. Dos años atrás, según informaron algunos diarios brasileños, el negocio habría rendido unos 30 millones de dólares. El mismo nivel de repercusión tuvieron ahora y es el que están teniendo en Santiago de Chile, la próxima etapa de Alegría . En Brasil, varias empresas compraron el Tapis Rouge (la carpa vip) para agasajar a sus clientes en medio de deliciosos platos, champán y mucho glamour . Esas entradas son las que cuestan acá 600 pesos (más los 60 pesos que cobra Ticketet).

Llamativamente, comparando el precio de dicha entrada con las butacas más caras de los espectáculos que están dando vuelta por el mundo (por el Primer Mundo, se podría acotar), se comprueba que el precio del Tapis Rouge porteño es uno de los más costosos (en la gran mayoría, los tickets de este tipo van de los 100 a 150 dólares).

Caro, pero el mejor
Entre costos fijos y cachet, traer Alegría a Buenos Aires costaría unos 9 millones de dólares. El dato, claro está, no es oficial pero es confiable. En ese delicado mecanismo de ingeniería marketinera, los auspiciantes desempeñan un papel fundamental. Tan fundamental que, apenas comienza el show, el presentador da la bienvenida al público e inmediatamente nombra a cada una de ellos de la misma manera que hace Nito Artaza en sus obras (¡y pensar que al pobre Nito se lo ha criticado tanto por eso!).

Pero en el Mundo Cirque negocios son negocios y contratos son contratos. Y si bien la venta de entradas es importante para ellos, su merchandising , todos sus subproductos y los auspiciantes son aspectos fundamentales para hacer a este circo ir de gira. De última, sobre ese delicado mecanismo se sostiene el asombro, la alegría, el aplauso y -claro está- un excelente negocio.

“el estado no hace el arte, lo acompaña”

2008-07-18T19:52:00.005-03:00

cuatro expertos en economía analizan estrategias de gestión cultural

transcribimos un artículo publicado en crítica, hoy.

el riesgo de la domesticación de la cultura por parte de los aparatos estatales. ventajas y desventajas de la ley de mecenazgo. el rol del sector privado. todo bajo la lupa de especialistas de argentina, brasil y chile.

La cita es en un bar en la esquina de la facultad de Ciencias Económicas. A escasos cincuenta metros y en pocos minutos más, se va a desarrollar el seminario internacional “Aportes financieros del sector privado a las artes”, con auspicio del Ministerio de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires.

En la mesa se encuentran José Carlos Barboza de Oliveira, ingeniero brasileño, especialista en incentivos fiscales; Cristian Antoine, chileno, director del magister en Gestión Cultural de la Universidad Santo Tomás; Carlos Elia, director del posgrado en Administración de Artes del Espectáculo, de la UBA, y Héctor Schargorodsky, director del Observatorio Cultural de la Facultad de Ciencias Económicas. Lo novedoso: cuatro especialistas en economía analizaban estrategias de gestión cultural.

–¿Qué puede hacer el Estado por la cultura?Antoine: –Me encantaría cambiar la pregunta por “¿qué debe hacer el Estado por la cultura?”. Y la respuesta es garantizar, desde el punto de vista jurídico, un amplio marco para que las actividades culturales fluyan de manera natural en beneficio de las personas. Eso significa que, en algunas sociedades, el Estado debe intervenir más y en otras menos. Pero yo preferiría un Estado menos interventor, porque si bien hay más riesgos de ausencia, le otorga más responsabilidad a los particulares. Cuando el Estado financia las obras, los artistas asumen una actitud más pasiva. Y eso no los convierte en protagonistas de su propio desarrollo personal.
–Pero, generalmente, ¿las actividades artísticas se ahogan por falta de financiamiento?A.: –Sí y no, depende de qué sociedad estamos mirando. El cuidado del patrimonio histórico, por ejemplo, lo debe hacer el Estado, que es quien tiene más recursos. Pero para mí tiene que generar un buen marco legislativo y procurar una buena educación a la ciudadanía para que pueda disfrutar del arte, desde el ámbito escolar y secundario. Muchas veces, ocurre que se pierde la producción de los artistas porque no hay quién la consuma.
–Brasil tiene experiencia en la financiación del arte por parte de los privados. ¿Cómo funciona la ley de mecenazgo?Barboza de Oliveira: –En rigor, en Brasil hay un sistema de mecenazgo, porque hay leyes federales, estaduales y municipales. La federal, que es la más importante porque maneja más recursos, trabaja bien. Pero hay que entender que un incentivo, un financiamiento, no puede ser generalizado, tiene que estar dirigido a algunas cuestiones puntuales. En Brasil, lo que ocurre es que las empresas subvencionan actividades donde ya hay mercados, así, aumentan la concentración del mercado cultural y de las clases más ricas. Entonces, es más interesante pensar dónde va a incentivar el Estado. De los lugares donde funciona el mercado, el Estado debe retirarse. La maquinaria pública interviene en la etapa de desarrollo donde no existen incentivos privados. Pero la ley no puede hacer que el Estado recule en el área de Cultura, porque eso perjudica a la sociedad. El apoyo debe ser de forma particularizada, por sectores geográficos y sectores sociales.
–¿Qué ventajas y desventajas encontraron en la ley de mecenazgo?B. de O.: –Hay una ventaja en movilizar fondos del empresariado hacia la cultura, y una desventaja: que produjo una concentración de las manifestaciones en los sectores urbanos y en las esferas artísticas que les interesaron a las clases dominantes.
–Si el Estado como árbitro se retira del mercado cultural y se rige por las decisiones de las empresas y del mercado no cultural, ¿no segmenta la cultura?Schargorodsky: –Sí, y te aparece otro problema, que hay actividades de la cultura que a las empresas no les van a interesar, y por lo tanto es un riesgo de que desaparezcan de la agenda. Por eso el Estado debe apoyar las manifestaciones más débiles y servir como facilitador a aquellas áreas que sí tienen apoyo. Debe ser una combinación de los dos factores.B. de O.: –Es necesario discutir sobre la cultura en una facultad de Ciencias Económicas. Es bueno pensar a la cultura con una visión general de la economía. Y es necesario analizar los recursos y los beneficios para intervenir en la cultura. En términos económicos, pero en una visión macro. Es muy importante analizar la distribución de los bienes culturales. Para esto, hay tres etapas: el financiamiento de la cultura por parte del Estado, la articulación con las empresas privadas a través de la ley de mecenazgo y, por último, lograr la eficacia de muchas industrias culturales como generadoras de riquezas.A.: –¿Qué pasa si el Estado se retira? No hay existencia histórica de un país en el que el Estado no intervenga en la cultura. Es decir, no hay posibilidad de que la maquinaria estatal no regule el mercado del arte, por eso es una pregunta retórica, en algún sentido. Las diferencias son significativas, pero debemos avanzar para generar un ambiente en el que Estado y privados puedan asociarse para procurar bienes culturales. No sólo el Estado se preocupa por el bien común, también lo hace una empresa cuando invierte en la sociedad. Si recibe un rédito publicitario o impositivo, bien, no hay problema, hay que reconocerlo. Muchas veces nuestros Estados no entregan ese protagonismo a los individuos y deciden qué hacer con nuestros impuestos, no hay democracia impositiva, es resultado de una actitud paternalista que no reconoce la mayoría de edad a los contribuyentes.–El arte tiene como motor de funcionamiento la ruptura y lo contestatario. Todo Estado que ocupó demasiado espacio lo domesticó, lo terminó convirtiendo en una herramienta de poder, como en el caso del realismo socialista.
-¿El mundo privado no corre el riesgo de ser domesticado y mercantilizado?Elia: –El Estado no hace el arte, en todo caso lo acompaña. Hay que equilibrar. Por ejemplo, las artes plásticas son un gran negocio, pero hay otras áreas que no son redituables. Cuando yo veo que el Estado compra obras de arte, me preocupo, porque no es necesario.B. de O.: –La generalización provoca una visión turbia. Hay que hacer un seguimiento particular, porque la presencia del Estado es fundamental. Como así también la formación de recursos humanos para la cultura: hay que dar cursos especializados, crear escritores, directores de cine, hay que lograr que la educación normal genere interés por la literatura, formar un equipamiento cultural, con cines y teatros, pero fuera de los centros urbanos. Menos del cinco por ciento de los municipios brasileños tiene salas de cines, menos del siete por ciento tiene salas de teatro. El Estado es fundamental para y en la periferia. En la producción cultural, el Estado no es importante, lo puede hacer el mundo privado, pero sí debe garantizar la posibilidad de que surjan vanguardias, que no tienen respuestas económicamente. Debe garantizar la equidad de la posibilidad de consumo cultural.
–¿Es decir, inyectar demanda más que la oferta?B. de O.: –Hay que trabajar muy bien la demanda. Un libro equivale a un diez por ciento del salario mínimo, es imposible para un obrero leer un libro. La entrada a los museos es gratuita, pero la posibilidad de comprender esas obras, no; tiene acceso físico, pero no cultural.
–¿Cómo se inyecta demanda?A.: –El Estado tiene una responsabilidad generando leyes, como el fomento del libro, de la música. Hay un marco legislativo, un sustrato que tiene que ver con la creación de fondos y asignación de recursos. El Fondar (Fondo de las Artes), que asigna recursos, pero no controla el destino y muchas veces tiene propuestas artísticas muy rupturistas y que generan polémica y una institucionalización que acompañe esta legislación.

"sin una cultura del patrocinio, no habrá inversiones en arte"

2008-07-18T19:39:00.005-03:00

diálogo con lynn stirrup, especialista norteamericana en "fundraising" y gestión cultural

transcribimos una entrevista realizada por ana martínez quijano para ámbito financiero a lynn stirrup, por ocasión del seminario de financiamiento privado del arte realizado recientemente en la uba.

Lynn Stirrup, vp de Campañas Especiales de la Academia de Música de Brooklyn, logró que la recaudación de fondos para esa institución escalara de 20 millones de dólares en 2000 a 55 millones en 2007. Llegó a la Argentina para participar en un seminario en la UBA. Dialogamos con ella sobre las grandes diferencias entre el sistema estadounidense y el del resto de América en materias como el mecenazgo.

Mientras en los EE.UU. el patrocinio privado crece al ritmo estimulante de las desgravaciones fiscales, en la Argentina, sin alicientes, las corporaciones que contribuyen al sustento de las instituciones artísticas son escasas. Luego de la reciente visita al país de un experto norteamericano en fundraising, el presidente del Kennedy Center de Washington, Michael Kaiser, ahora nos visita otra especialista con la que también dialogamos sobre este aspecto crítico de la gestión cultural.

Lynn Stirrup es vicepresidente de Planificación y Desarrollo y directora ejecutiva de Campañas Especiales de la Academia de Música de Brooklyn (BAM), y llegó a Buenos Aires para participar del Seminario de Aportes Financieros del Sector Privado a las Artes, que se realizó en la UBA. Stirrup, que asumió su cargo en la BAM en 1999, logró un significativo crecimiento en la recaudación de fondos que escalaron de 20 millones de dólares en 2000 a 55 millones en 2007.

Periodista: Antes de incorporarse a la BAM, ¿cuánto tiempo llevaba usted en esta tarea? Lynn Stirrup: Hace mucho que estoy allí. Estuve haciendo recaudación de fondos para la BAM desde hace 17 años, y desde hace 9 en el equipo de gerentes ejecutivos. Tengo cierta experiencia con otros países que recurren a mí por mis conocimientos en patrocinio. La Academia de Música fue el líder en términos de patrocinio de artes, y una de las ventajas que aporté es que provengo del marketing deportivo. Tenemos fondos filantrópicos para promover las artes, y específicamente me dediqué a obtener dinero del marketing o de actividades de promoción.

P: ¿Hasta que punto el éxito del patrocinio privado en EE.UU. está determinado porque el estado no provee dinero suficiente para sostener las instituciones, o para llevar adelante programas culturales? L.S.: EE.UU. tiene un historial en el cual el gobierno no provee los fondos suficientes para apoyar las artes y en los años que llevo trabajando inclusive han disminuido. La cultura del patrocinio en EE.UU. es una necesidad explícita, y también significa que hay una gran competencia por obtener dinero de fondos privados no solamente en el ámbito de las artes.

P.: ¿Hay instituciones que tendrían que cerrar si no contaran con el patrocinio privado? L.S: Si, claro. La nuestra por ejemplo. La mayoría de las organizaciones se encuentra en esa situación, especialmente en las artes.

P.: ¿Qué porcentaje alcanzan las deducciones fiscales para los patrocinantes, y es verdad que el presidente Bush las redujo considerablemente? L.S.: No conozco los montos específicos, pero las categorías impositivas, hasta donde yo sé, dependen de los ingresos generales. El gobierno de Bush ha ofrecido beneficios para las personas de mayores recursos, y fue beneficioso en términos impositivos para ellos. De hecho hay algunos programas especiales que han sido lanzados con la administración Bush. Uno de estos programas permite a las personas retirar dinero de sus cuentas de pensión o retiro mientras están vivos, y así evitan una penalidad. Si retiran el dinero antes por otras razones, uno debería pagar, pero si se lo entrega a una fundación sin fines de lucro, puede ser considerado aplicable para una deducción impositiva y no tienen que pagar el arancel correspondiente de haber retirado ese dinero por adelantado.

P: ¿Qué sucede cuando todos los patrocinantes quieren hacer lucir su imagen porque la cultura les da prestigio, y eligen lugares con gran visibilidad como el Metroplitan o el MOMA, en vez de una muestra de arte experimental que no tiene atractivos pero que también necesita financiamiento? L.S.: Esto tiene que ver con intentar encontrar el patrocinador específico. Hay que tratar de identificar el nivel de exposición que va a tener en la muestra, cuantos miembros del público al que apunta la empresa van a participar, o ver qué otro tipo de visibilidad puede obtener. Lo que uno trata de hacer es buscar al patrocinador apropiado para esa actividad; no todos los programas van a poder ser patrocinados por una empresa. Se puede encontrar una empresa que esté dispuesta a patrocinar una temporada y, dentro del programa que uno está ofreciendo, que aparezca un acontecimiento menos atractivo. Lo que hay que asegurar es que el patrocinador corporativo obtenga las mejores oportunidades o ventajas dentro de las actividades que se desarrollan en el programa.

P.: ¿Todos los patrocinadores reciben beneficios fiscales? L.S.: Hay incentivos fiscales para patrocinadores, pero no hay beneficios para organizaciones con fines de lucro. Nosotros podemos ofrecer visibilidad comercial o la promoción y marketing, como un patrocinio comercial y luego la empresa recibe el beneficio adicional de la deducción de impuestos. Esto frecuentemente nos ayuda a lograr nuestro objetivo.

P.: ¿Por qué las empresas multinacionales suelen tener una política de patrocinio para su país de origen, y una muy diferente, o inexistente, para los países en los que se instalan? L.S.: Las empresas que tienen filiales en la Argentina, que necesitan del apoyo de la Argentina para sus negocios, llevan a cabo acciones de patrocinio.

P.: Por ejemplo, Merrill Lynch, nunca ha patrocinado la cultura en la Argentina, mientras que en EE.UU. auspicia ferias y exposiciones. L.S.: Las conversaciones deberían comenzar con las personas que toman decisiones de marketing promocional dentro de la región. He tenido muchas experiencias con empresas que tienen sucursales en los EE.UU. y que han patrocinado cultura en los EE.UU. Un ejemplo es el Banco de América, que va a patrocinar un programa internacional que beneficiará a centros de artes escénicas en España, Grecia, Alemania, Nueva York, Londres, Singapur y Nueva Zelanda. Y no hay ninguna duda, llegaron a este nivel alto de patrocinio para poder alcanzar esos mercados alrededor del mundo. El patrocinio está ligado al interés comercial. De hecho me preguntaron si podríamos ir a Hong Kong y Nueva York también en el segundo año, porque tienen un fuerte interés comercial en estas ciudades.

P.: ¿El patrocinio privado crece porque los estados se achican y delegan responsabilidades como la actividad cultural? L.S.: Me parece que el mayor desafío es crear una cultura de comprensión del patrocinio. En países donde el patrocinio es nuevo, el mayor desafío es crear esa comprensión, esa cultura. Esto articula el término de necesidad dentro de esta ecuación. La parte que debe comunicarse tiene que ver con las ventajas que obtienen las empresas a través del patrocinio. Una vez que una organización de artes es capaz de articular esto, los tipos de ventajas de marketing promocional que puede ganar la empresa facilitan la asignación de un presupuesto.

P: ¿Analizó la situación Argentina? L.S.: Todos tienen que comenzar en algún momento. Antes de la década del '70 casi no había patrocinio corporativo para las artes en EE.UU., con el tiempo se ha hecho mas común.

P.: Hay argentinos que son patrocinantes de la ópera Metropolitana de Nueva York, del Museo Metropolitan, el MOMA o la Frick Collection, porque tienen propiedades en EE.UU. y la ley de desgravación los beneficia al pagar sus impuestos. Pero ¿cómo lograr benefactores aquí sin el atractivo de la desgravación? L.S.: Si hay un número reducido de patrocinantes en Argentina, puede ser tomado como una ventaja, puede tener una voz más fuerte, se escucha más fuerte el mensaje.

P.: En Brasil hay una experiencia negativa. Las empresas reciben un fuerte beneficio por la ley de mecenazgo, y utilizan ese dinero para hacer sus propias muestras, sus propios programas culturales, mientras los museos estatales empobrecidos se quedaron sin patrocinantes. ¿En EE.UU. se conoce ese lado malo de la ley de mecenazgo? L.S.: No se me ocurre una situación análoga. Creo que hay una situación comparable. Si una pequeña organización depende de los fondos que ingresan en un año, y no lo tienen para el año siguiente, no pueden continuar con el programa.

curso-el músico emprendedor: claves para la autogestión de proyectos

2008-07-15T19:22:00.003-03:00

anunciamos la realización del curso "el músico emprendedor: claves para la autogestión de proyectos".

el objetivo del curso es ofrecer a la comunidad de músicos información clara y directa que les permita consolidarse y desarrollarse profesionalmente en un ámbito que requiere cada vez más solidez y creatividad en la formulación y concreción de proyectos.¿qué hacer? ¿cómo hacerlo? ¿qué posibilidades concretas existen para desarrollar una idea? ¿cuales son los públicos? ¿cómo definir y comunicar un proyecto? ¿cómo y a quién venderlo? interrogantes que muchas veces los artistas no abordan, y que pueden definir el éxito ó el fracaso de un proyecto.este seminario se destina tanto al músico independiente como a grupos de cámara, coros, etc.

día y horario: lunes 9 a 12hs. fechas: 18 y 25 de agosto, y 1, 8 y 15 de septiembre 2008 -

vacantes limitadas

contenidos del seminario:
• módulo 1. La organización unipersonal y grupal. Misión y visión. Su importancia tanto en proyectos individuales como grupales. Identidad e imagen institucional. Marca.
• módulo 2. Comunicación. Marketing. Publicidad. Relaciones públicas. Herramientas comunicacionales viables para el sector.
• módulo 3. Planificación estratégica. Idea versus proyecto. Diseño de proyectos.
• módulo 4. Legislación. Derecho de autor. Protección moral y patrimonial del derecho de autor. Sociedades de gestión de derechos.
• módulo 5. a. Financiamiento. b. Autogestión en el mercado de la música.

Cómo maximizar el éxito en la recaudación de fondos, según Lynn Stirrup

2008-07-08T22:15:00.002-03:00

El pasado 2 y 3 de julio se realizó en la Facultad de Ciencias Económicas, Universidad de Buenos Aires, organizado por el Observatorio Cultural y el posgrado de Administración de las Artes del Espectáculo, el Seminario de aportes financieros del sector privado a las artes. A lo largo de dos días se pasó revista a los principales desafíos que enfrentan las relaciones entre el sector público y el sector privado en el campo de la cultura en Argentina, Brasil, Chile, Estados Unidos y Francia. (Para la lista completa de disertantes, vea nuestra entrada anterior).

Lynn Stirrup es Vicepresidente de planeamiento y Directora ejecutiva de campañas especiales del Brooklyn Academy of Music (www.bam.org), y amablemente ha compartido con los participantes su check-list de temas que ninguna organización cultural debe dejar de analizar al planificar una campaña de desarrollo de fondos:

Cómo maximizar el éxito en la recaudación de fondos, según Lynn Stirrup

1. Fundamentos para la recaudación de fondos
a. Establecer y fortalecer en forma continua una amplia base de patrocinio
b. Cumplir con los beneficios prometidos
c. Expresar agradecimiento

2. Requisitos institucionales y de liderazgo
a. Misión
b. Desarrollo del directorio

3. Campañas operativas anuales de recaudación de fondos- general
a. Establezca objetivos, estrategias y líneas de tiempo
b. Lleve un registro
c. Identificación e investigación de potenciales patrocinadores
d. Cultive la relación
e. Solicite fuentes de financiamiento
f. Construya relaciones y una sensación de propiedad
g. Evaluación

4. Patrocinio corporativo
a. Alianzas de beneficio mutuo
b. Desarrolla y mantener estándares lógicos para la organización
c. Estructura piramidal
d. Desarrollar la mejor manera de acercamiento al patrocinador potencial

5. Donantes particulares
a. Premios principales
b. Socios
c. Renovaciones, mejorías y adquisiciones

6. Pautas clave
a. Sea creativo y utilice sus recursos (genere oportunidades para cultivar fuertes relaciones personales, ofrezca beneficios de valor único a los potenciales patrocinadores)
b. Brinde un excelente beneficio al cliente
c. Sea detallado y preciso y brinde la mejor calidad
d. Sea paciente

seminario de aportes financieros del sector privado a las artes

2008-06-20T22:49:00.005-03:00

20 reglas para crear la identidad institucional, según Michael Kaiser

2008-05-12T10:59:00.001-03:00

Una nueva entrega de consejos de Michael M. Kaiser, presentados durante el Simposio Sudamericano de Gerencia Artística realizado en el Ministerio de Relaciones Exteriores, Buenos Aires, el mes pasado.

20 reglas para crear la identidad institucional, según Michael Kaiser

1. Después de la calidad de las funciones, la identidad institucional es el capital más importante que puede tener una organización si desea mantener el crecimiento de los ingresos. Dedique tiempo y energía a crear la identidad. Si no lo hace, está malgastando su tiempo y su dinero en actividades de marketing y campañas de recaudación de fondos.
2. Vivimos en un mundo sobrecargado de medios. Cualquier cosa debe ser especial para captar la atención.
3. Los principales medios para crear identidad son sus funciones y sus exhibiciones, hágalas tan interesantes como sea posible.
4. Otras actividades, como exhibiciones, galas, programas educativos, etc., también crean identidad. Añada los elementos especiales que las vuelvan más interesantes.
5. Los paquetes de actividades son más interesantes para la prensa que las actividades individuales.
6. Estos paquetes, por lo general, pueden armarse a un costo muy bajo o sin costo adicional.
7. Una forma fácil de atraer la atención es recurrir a las celebridades.
8. Ningún “golpe de efecto” con los medios tiene un impacto duradero. Se requiere un flujo constante de entusiasmo por parte del público. En las organizaciones medianas, trato de organizar una actividad por trimestre “para las relaciones públicas”.
9. La mayoría de las buenas actividades para desarrollar identidad son gratis o ueden ser patrocinadas.
10. No necesita una empresa de relaciones públicas.
11. No pierda tiempo ni dinero diseñando logos ó eslóganes.
12. No es necesario crear identidad con todo el mundo; escoja sus destinatarios.
13. Use la TV y la radio locales.
14. Cultive su relación con la prensa y sea honesto; no exagere.
15. Use emprendimientos conjuntos siempre que resulte apropiado.
16. Asegúrese de que la identidad que está creando es la que desea.
17. Encuentre la forma de aprovechar a sus donantes corporativos para crear su identidad; los dos están buscando lo mismo.
18. No entre en pánico si recibe críticas de la prensa; el público suele olvidar muy rápido.
19. No responda a las malas críticas o artículos; sólo mantendrá vivo el problema.Los artículos en la prensa nacional son una forma excelente de crear visibilidad a nivel local.

20 reglas para recaudar fondos con éxito, según Michael Kaiser

2008-05-09T17:11:00.000-03:00

Continuamos publicando los consejos de Michael M. Kaiser, brindados generosamente durante el Simposio Sudamericano de Gerencia Artística realizado en el Ministerio de Relaciones Exteriores, Buenos Aires, hace algunas semanas.

20 reglas para recaudar fondos con éxito, según Michael Kaiser

1. Nadie tiene la obligación de donar. Sea humilde y agradecido. Nunca se muestre enojado si le dicen que no o si le ofrecen una contribución menor de la que esperaba. Recuerde que siempre hay un mañana.
2. La clave para una buena recaudación de fondos es saber escuchar. Escuche lo que el donante desea y qué lo entusiasma. Luego tómese el tiempo de responder con una propuesta adecuada. La recaudación de fondos es estratégica: usted está equiparando sus necesidades con las necesidades del donante.
3. Tenga siempre un menú de proyectos para ofrecerle al donante. No llegue con una presentación orientada a un proyecto específico a menos que sepa de entrada que es el único proyecto que están interesados en financiar.
4. Si en este momento no tiene un proyecto que podría interesarle al donante, dígaselo. Le causará una buena impresión y seguramente donarán fondos cuando tenga un proyecto que se ajuste a sus necesidades.
5. Los donantes responden a la información positiva, no a las amenazas de bancarrota.
6. Recuerde separar su campaña de grandes donaciones de la campaña para la membresía, y manéjelas en forma diferente. No gaste más dinero en solicitar y tramitar las donaciones que el dinero que aporte el donante.
7. Encuentre el solicitante correcto para cada donante. Puede ser un miembro de la Junta o un amigo. A menudo, el solicitante correcto puede lograr que se agregue un “0” al cheque. Use a los miembros de la Junta, o a otros amigos, para que abran puertas. Dedique tiempo a averiguar a quienes conocen los miembros de la junta y ba quienes están dispuestos a solicitar donaciones.
8. Si los miembros de la Junta están entusiasmados por sus avances y no se sienten avergonzados por su organización, es más probable que ayuden. Implemente su campaña de visibilidad antes de implementar sus iniciativas de recaudación de fondos.
9. Los eventos son una forma fácil de obtener nuevos donantes, dado que lo que se obtiene a cambio es muy fácil de entender. Haga que sus galas sean lo más especiales posible para crear una impresión fuerte entre los nuevos donantes. Una gala mal planeada puede perjudicarlo para siempre.
10. Cada posible donante es valioso. No desperdicie a un posible donante con una preparación deficiente o descuidada. Si el posible donante se siente cómodo con usted, es más probable que done. Usted está compitiendo con las organizaciones sin fines de lucro más grandes, que tienen mucho personal. Nunca dé a los donantes la impresión de ser una organización de poca monta”: nunca cometa un error tipográfico; nunca deje de devolver una llamada; nunca se muestre poco amistoso.
11. Cultive la relación con el donante antes de hacerle el “pedido”. Especialmente si piensa pedir mucho.
12. No le pida a un solo donante una donación desproporcionada en comparación con el resto de las donaciones. Parecerá ingenuo.
13. No deje que el donante se le escape fácilmente. Si una corporación le dice que ya está patrocinando otra organización, encuentre el tipo de contribución que beneficie a las dos. Por ejemplo, en Kansas City me dijeron que una organización ya patrocinaba a las Niñas Exploradoras. Entonces les ofrecí compraran boletos para que todas las niñas exploradoras asistieran a una función. Las dos organizaciones resultaron beneficiadas.
14. No pierda demasiado tiempo escribiendo millones de cartas para visitas en frío. Es preferible invertir ese tiempo en conocer a algunos donantes.
15. Las personas valoran las experiencias más que las cosas tangibles. Prefiero ofrecer el beneficio de asistir a un ensayo y no de recibir un jarro o una camiseta. Es mucho más fácil de entregar, cuesta mucho menos y es mucho más memorable.
16. No use “jerga” cuando hable con los donantes. Recuerde que probablemente no tengan idea de qué significan los nombres de sus proyectos. Dé sus explicaciones con un lenguaje simple y evite la jerga teatral.
17. Investigue a sus donantes principales. Es fácil de hacer por Internet y da una buena impresión.
18. Tenga listo un plan de visibilidad para un donante corporativo. No espere que se lo pidan. Esté bien informado sobre sus negocios: ¿es probable que quieran marketing masivo (p.ej. una empresa de productos para el consumidor) o que estén tratando de impresionara algunos clientes importantes (p. ej. Un banco de inversión)?
19. Los donantes pequeños pueden convertirse en grandes donantes. Cumpla lo que promete y, si es posible, supérelo. Asegúrese de mantenerse en contacto durante todo el año. No se limite a comunicarse con sus donantes cuando quiere más dinero.
20. Usamos la palabra desarrollo como sinónimo de recaudación de fondos, porque lo que intentamos hacer es desarrollar relaciones con nuestros donantes a lo largo del tiempo. Si usted demuestra su compromiso a largo plazo, y si trata a los donantes en consecuencia, ellos también se comprometerán a largo plazo.

theatrica anticipa: Seminario sobre Aportes financieros del sector privado a las artes, 2 y 3 de julio de 2008

2008-05-07T16:13:00.004-03:00

El 2 y 3 de julio se llevará a cabo en la Facultad de Ciencias Económicas – UBA-, organizado por el Observatorio Cultural/Posgrado en Administración de Artes del Espectáculo y el Ministerio de Cultura - Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, el Seminario “Aportes financiero del sector privado a las artes", con la participación destacada de especialistas de Estados Unidos, Francia, Brasil, Chile y Argentina. Mayor información... en muy breve!

20 reglas para la planificación, según Michael Kaiser

2008-05-07T16:05:00.003-03:00

El pasado 16 y 17 de abril se realizó en el Ministerio de Relaciones Exteriores, Buenos Aires, Argentina, el Simposio Sudamericano de Gerencia Artística, con la participación de Michael M. Kaiser, Presidente del John F. Kennedy Center (Washington, EEUU) y es responsable por la dirección artística y financiera de la organización, una de las más importantes del mundo (http://www.kennedy-center.org/).

A continuación, sus consejos sobre cómo iniciar un proceso de planificación estratégica en una organización artística.

20 reglas para la planificación, según Michael Kaiser

1. La planificación es más un estado mental que un documento complicado ó un extenso proceso.
2. Los mejores planificadores y estrategas lo hacen de manera tan natural que parece intuitivo. Sin embargo, de hecho, trabajan dentro de un marco lógico en su mente.
3. Un proceso de planificación bien diseñado puede dar como resultado un plan sólido en un corto plazo, si se dispone de los recursos necesarios y de fuerte liderazgo.
4. Asegúrese de que una persona que tenga experiencia previa en planificación guíe el proceso. Puede ser un miembro del personal, de la junta, un voluntario externo o un consultor contratado.
5. Asegúrese de que su comisión de planificación incluya a la junta, personal y artistas. Todos deben sentir que participan.
6. No obstante, el proceso de planificación no es democrático. El objetivo del plan consiste en presentar la mejor opción posible para cumplir la misión de la organización, y no en elaborar una declaración débil que conforme a todos. No espere que una comisión elabore el plan; asegúrese de que el líder de la planificación esté dispuesto a preparar proyectos de cada sección; la comisión debe aportar comentarios a cada proyecto.
7. Los mejores planes son amplios e integrales; la mera suma de algunas de las estrategias favoritas de todos raras vez logra el éxito. La planificación tiene que ver con la escasez de recursos. Todos deben estar dispuestos a realizar elecciones difíciles.
8. Una estructura para la planificación hace que el proceso sea más eficaz y como resultado se obtiene un plan mejor. Si simplemente forma parte un grupo de personas y les pide que elaboren un plan, obtendrá pocos resultados, y ocupará mucho tiempo.
9. El plan debe estar motivado por una fuerte misión orientadora. La misión ayuda a asegurar que todos trabajen en la misma dirección y establece los únicos medios para evaluar el éxito. Un plan sin misión no tiene sentido.
10. No obstante, una misión sin una estrategia es un mero deseo. Un plan debe ser más que una serie de objetivos. Debe ser específico.
11. Lo que hace que un plan sea estratégico es el reconocimiento explícito de la importancia del ambiente. Lo que sucede alrededor de usted y de qué manera sucede determinan las claves del éxito en su “sector”.
12. Utilice la asociación sectorial, los medios, especialistas externos, investigación en Internet, etc. para obtener información acerca del ambiente en el que trabaja. No adivine ni acepte la opinión general.
13. Si el análisis del ambiente le indica las claves del éxito, una revisión objetiva de las fortalezas y debilidades de su propia organización –un análisis interno- le indica si usted posee o no estos factores del éxito.
14. Es imprescindible que el análisis interno se base en una visión objetiva de su organización. No sirve halagarse o criticarse demasiado. La planificación tiene que ver con la honestidad.
15. Se puede comparar la propia organización con la de otras compañías similares para conocer sus verdaderas fortalezas y debilidades. Las entrevistas con terceros con un punto de vista objetivo también pueden ser instructivas.
16. Las estrategias deben establecerse a partir de los análisis interno y del ambiente. Si su organización no tiene lo que necesita para ser exitosa, ¿Qué estrategias lo ayudarán a superar esto? Si usted tiene lo que se necesita para ser exitoso, ¿Cómo protege y explota estas fortalezas?
17. Las estrategias deben estar respaldadas por un plan operativo que indique la persona que será responsable de lograr dicha estrategia y el plazo en que deberá hacerlo.
18. Un plan financiero debe indicar que las estrategias proyectadas son asequibles. En caso contrario, resulta esencial revisar los planes estratégicos y operativos.
19. El plan terminado puede ser una importante herramienta para comunicarse con donantes, posibles miembros de la junta, el personal, la Junta y la prensa. Los donantes con experiencia apreciarán los análisis exhaustivos y honestos.
20. Un proceso de planificación sólo es exitoso si los participantes entienden la lógica de la planificación de tal manera que puedan cambiar el plan a medida que cambie el ambiente. Si todos en la organización aprenden a “pensar estratégicamente”, la organización sin duda tendrá éxito.

Gestión y comunicación de espectáculos

2007-12-25T22:41:00.000-03:00

theatrica informa que a partir del mes de marzo del 2008 dictará las cátedras de Gestión y Comunicación de Espectáculos 1 y 2, correspondientes a la carrera de Diseño de Espectáculos. Estas asignaturas tienen como objetivo preparar a los alumnos en la gestión y la comunicación de espectáculos en los teatros públicos, comerciales, independientes y compañías.

Introduce teorías y herramientas de gestión y administración, analizando las particularidades de la gestión teatral, planteando un recorrido por los principales conceptos de marketing y legislación aplicados. Introduce el planeamiento de medios, las campañas de prensa y las políticas de precio en el espectáculo. Para mayor información, visitar http://www.palermo.edu/facultades_escuelas/dyc/cat/023140.html y http://www.palermo.edu/facultades_escuelas/dyc/cat/023143.html

La Nación: Buenos Aires para sus habitantes

2007-11-16T21:26:00.001-03:00

Por Josefina Delgado para LA NACION
Copyright 2007 SA LA NACION Todos los derechos reservados

Tierra no hay como la mía... Carlos Guido y Spano

La cultura de una ciudad es la expresión simbólica de su historia, pública o privada, reconocida, legitimada y permanentemente recreada por los ciudadanos de esa comunidad. Música, libros, periodismo, cine, teatro, artes plásticas, arquitectura, radio, televisión son las manifestaciones más tradicionales. Hoy debemos reconocer el aporte de las artesanías, el diseño, el humor, la gastronomía, las fiestas populares. Esa cultura no sólo no es estática, sino que se beneficia con otros aportes; a menudo, éstos son el producto del contacto con otras culturas. En el caso de la ciudad de Buenos Aires, los asentamientos de pobladores de países cercanos o remotos nos ofrecen ya como parte de “lo nuestro” –así como en otra época se incorporaron la pizza y la hamburguesa– restaurantes que ofrecen “picante de pollo”, comida coreana y los mercados del barrio chino de Belgrano, donde podemos conseguir desde las algas para elaborar nuestra propia comida oriental hasta lámparas de papel para decorar.

También las fiestas populares de las nuevas comunidades se han incorporado a nuestro calendario, así como otras referencias a aspectos culturales desconocidos antes. El entretejido de costumbres, valores e identidades sin duda está cambiando a Buenos Aires. Y con ella, a nosotros, los ciudadanos. ¿Este intercambio nos mejora? Nos arriesgamos a decir que sí, porque nos ofrece no sólo la posibilidad de cambiar, sino también la de elegir e incorporar nuevas modalidades. Porque la cultura, en tanto expresión viva, necesita para respirar la mirada del otro y crece cuando el otro pertenece a otra cultura. El diálogo entre bienes culturales y público es semilla fértil y razón de ser de la supervivencia de la cultura. La visión que contiene y comunica la cultura, cada una de sus formas, se fortalece con el intercambio, ya sea de contemplación, consumo o participación. Encuentre la nota completa en http://buscador.lanacion.com.ar/Nota.asp?nota_id=962597&high=Josefina

cultura y turismo - pasa en NY

2007-11-16T21:20:00.000-03:00

El New York Times publicó ayer una muy interesante nota sobre el proyecto de ampliación del MOMA- Museum of Modern Art. El museo vendió recientemente un terreno vecino a su actual emplazamiento en el marco de un plan de desarrollo y recaudación de fondos, y la empresa que llevará adelante el nuevo emprendimiento contempla en la misma estructura del edificio - una torre de 75 pisos, diseñada por el estudio del arquitecto Jean Nouvel- 3 pisos para el MOMA. El resto será dedicado a departamentos de lujo y un hotel 5 estrellas. Para leer la nota completa, ingresar a http://www.nytimes.com/2007/11/15/arts/design/15arch.html?_r=1&ref=arts&oref=slogin

servicios de planificación, consultoría y capacitación

2007-11-12T23:44:00.000-03:00

theatrica anuncia los siguientes servicios:

planificación:
- planificación estratégica
- diseño de producto
- diseño de proyecto
- diseño de imagen institucional
- diseño de modelos de gestión
- diseño de planes de negocios
- diseño de planes de marketing y comunicación

consultoría:

- diagnóstico organizacional (estructura organizacional, diseño de equipos de gestión, análisis de entorno competitivo, objetivos estratégicos, prácticas comunicacionales, etc.)
-gestión y búsqueda de recursos humanos especializados.

capacitación:

- cursos, talleres y seminarios de gestión de organizaciones escénicas
- cátedras de Gestión y Comunicación de Espectáculos I y II (Facultad de Diseño y Comunicación, Carrera de Diseño de Espectáculos, Universidad de Palermo).

theatrica en la universidad de palermo

2007-09-18T14:13:00.000-03:00

En el marco del ciclo de talleres libres y gratuitos, abiertos a la comunidad y organizados por la Facultad de Diseño y Comunicación UP (OPEN DC), theatrica brindará un taller los días 5 y 12 de octubre, de 11:30 a 13.30.

La temática del taller es "Gestión de organizaciones del espectáculo: el caso del Teatro Nacional Cervantes". La propuesta consiste en analizar la estructura y dinámica de la gestión en las organizaciones vinculadas a las artes escénicas desde el estudio de la/s problemática/s planteadas por un caso real. Está dirigido a estudiantes de carreras afines a las artes escénicas, más específicamente, a estudiantes de carreras de Diseño de Espectáculos, Dirección, Vestuario y Escenografía.

Información, programa e inscripción: http://www.palermo.edu/facultades_escuelas/dyc/opendc/opendc2007_2/index.htm

2007-09-03T22:34:00.000-03:00

2º encuentro internacional sobre economía de las artes del espectáculo

2007-07-19T21:32:00.000-03:00

theatrica presenta: La Facultad de Ciencias Económicas -UBA-, el Observatorio Cultural y el Posgrado de Administración de las Artes del Espectáculo presentan este segundo encuentro internacional, que contará con la presencia de renombrados especialistas extranjeros:

1. Lluís Bonet (España): “Economía de la producción y distribución de las Artes Escénicas”
2. Xavier Dupuis (Francia): “Precios, tarifas y costos”
3. Michael Rushton (Estados Unidos): “La relación entre el sector público y el sector privado”
4. David Throsby (Australia): “Características del mercado de trabajo en las Artes Escénicas”
5. Héctor Schargorodsky (Argentina): Tema a confirmar

Fecha: 5, 6 y 7 de septiembre de 2007

Lugar: Salón de Actos, Facultad de Ciencias Económicas - UBA

Inscripción: obscult@econ.uba.ar

Vacantes limitadas.

Valor: $25,00

el caso del teatro odeón: la justicia falló a favor

2007-03-08T11:28:00.000-03:00

En noviembre del 2006 la ONG Poder Ciudadano presentó una acción de amparo contra el Gobierno, intimándolo para que reglamente (y haga cumplir) la ley 14.800, de 1959, que declara de interés nacional la actividad teatral en todas sus formas. El juez federal Dr. José María Sarmiento hizo lugar a la acción, y otorgó al Poder Ejecutivo Nacional 10 días para reglamentar la ley. De qué estamos hablando?

En el año 1959, una escueta ley nacional decía:
Articulo 1. Declárase de interés nacional a la actividad teatral en todas sus formas y ramas. Articulo 2. En los casos de dernolición de salas teatrales, el propietario de la finca tendrá la obligación de construir en el nuevo edificio un ambiente teatral de características semejantes a la sala demolida.
Articulo 3. Comuníquese al Poder Ejecutivo. Sin embargo, en el caso del Teatro Odeón, se omitió el cumplimiento de esta ley.

El Teatro Odeón, inaugurado en 1918, que funcionaba en la esquina de Corrientes y Esmeralda, en 1985 fue declarado edificio protegido "por su interés cultural y arquitectónico". A principios de la década del 90 durante la gestión de Carlos Grosso al frente de la Ciudad de Buenos Aires, se dejó sin efecto esa protección y se autorizó la demolición del teatro, lo que fatalmente se produjo en 1991.
En el año 1997, el Ministro de Economía Roque Fernández justificaba en ese decreto de Carlos Grosso la resolución 1221, donde aclaraba que se había derogado aquél artículo 2º de la ley 14800.

Punto y aparte a la historia.
Afortunadamente, en el año 2003, el decreto 1180 del poder ejecutivo nacional derogaba la resolución 1221, por lo que ratifica en todos sus términos la vigencia de la ley 14800. Sin embargo, desde el momento de su sanción, la falta de reglamentación de la ley dificultaba hacer efectivo su cumplimiento.

Esto es lo que la resolución del Juez Sarmiento viene a subsanar. Con la reglamentación de la ley 14800, el estado podrá intimar a los propietarios del predio de Esmeralda y Corrientes, donde desde el año 1985 funciona un estacionamiento, a volver a construir un edificio teatral. Para más información:
http://www.impulsobaires.com.ar/nota.php?id=14625
http://www.lanacion.com.ar/entretenimientos/nota.asp?nota_id=887809&origen=amigoenvio
http://www.diputados.gov.ar/dependencias/dcomisiones/periodo-124/124-1050.pdf
http://www.infoleg.gov.ar/infolegInternet/verNorma.do?id=90809
http://www.clarin.com/diario/1997/09/26/o-02201d.htm

charla informativa sobre carrera de admin. de las artes del espectáculo

2007-02-26T17:03:00.000-03:00

el 27 de febrero de 2007 a las 19:00 en la facultad de ciencias económicas de la universidad de buenos aires, secretaría de posgrado, av. córdoba 2122, 2º piso.

NYTimes: Arts Organizations Adjust to Decline in Funding

2007-02-21T15:01:00.000-03:00

los problemas que enfrentan las organizaciones artísticas son similares en todo el mundo. hace unos días se aprobó la ley de mecenazgo en buenos aires... y el new york times de hoy publicó una interesante nota sobre cómo las organizaciones artísticas reaccionan y deben ajustarse a los nuevos recortes en la financiación corporativa que tradicionalmente ha venido recibiendo.
la nota completa se encuentra en http://www.nytimes.com/2007/02/21/arts/21fund.html

ejemplos de casos

2007-02-21T14:50:00.000-03:00

el primer caso es el de un teatro localizado en un edificio de valor histórico y arquitectónico, que alberga una institución de gran trayectoria, que ha sufrido una catástrofe… al ser reconstruido con un criterio moderno que es difícilmente aceptado por su entorno provocando diversos conflictos, theatrica realiza un diagnóstico de la situación, propone líneas de intervención y traza un plan de acción para que el "antes" y el "después"se integren y dialoguen de manera coherente con sus diversos públicos".

el segundo caso trata sobre una compañía artística, muy promocionada a partir de la figura de su director (un artista aún en actividad y de gran trayectoria internacional) y cuyos productores deciden captar a un nuevo segmento de público, recurre a theatrica, que realiza un estudio de diagnóstico, donde se evidencian las debilidades de la organización (en este caso, elección del repertorio,diseño y realización de vestuario, estrategias de marketing, etc). en base a este diagnóstico, se consensúan con los productores y el director de compañía algunas propuestas para las acciones necesarias.

¿management para organizaciones del espectáculo?

2007-02-21T14:47:00.000-03:00

muchos nos preguntan qué hace concretamente theatrica. asesoramos a organizaciones del sector de la cultura, más específicamente a las vinculadas al espectáculo en vivo.

¿por qué management? ¿y por qué creativo? porque el gerenciamiento no puede ejercerse a partir de recetas. requiere una gran cuota de sensibilidad y percepción, para encontrar soluciones adaptables al formato y comportamiento de cada estructura.

para ejemplificar, vamos a contarles brevemente algunos casos que hemos estado analizando, en los que estudiamos y propusimos intervenciones, o creemos que sería interesante hacerlas. hoy empezamos con dos ejemplos, de a poco les iremos contando otros casos...

la ciudad de buenos aires ya tiene ley de mecenazgo

2007-02-04T22:30:00.000-03:00

la legislatura de la ciudad ha sancionado el pasado 14 de diciembre la esperada ley que se espera estimulará la participación de fondos privados en proyectos culturales.
en http://www.clarin.com/diario/2006/12/16/sociedad/s-07202.htm encontrará un breve resumen de la ley.
para leer el texto completo, visite http://www.buenosaires.gov.ar/areas/leg_tecnica/boletines/20070202.htm#1.

novedades de theatrica por email

2006-10-29T18:33:00.000-03:00

hemos incorporado la posibilidad de que reciban una notificación en su casilla de correo cada vez que publiquemos una nueva entrada en este blog. simplemente deben ingresar su email en la casilla que se encuentra en la columna a la derecha ("your email address"). por ahora el proceso -sencillo- se realiza en inglés, pero en cuanto encontremos un programa similar que lo hace en castellano, lo incorporaremos.

recomendamos el ciclo Administrar en V¡VO!

2006-10-28T23:21:00.000-03:00

recomendamos el ciclo administrar en V¡VO!
Un ciclo especial de charlas organizado por la carrera de posgrado de Administración de las Artes del Espectáculo, de la Facultad de Ciencias Económicas, Universidad de Buenos Aires.
1.11.06- Gerenciamiento de teatros privados
8.11.06- Gerenciamiento de teatros públicos
15.11.06- Nuevos negocios en torno a la música
informes e incripción: obscult@econ.uba.ar 4370-6160

identificándonos

2006-08-04T23:37:00.000-03:00

presentándonos

2006-08-04T23:22:00.000-03:00

que hacemos

brindamos una plataforma que permite a las organizaciones escénicas privadas y públicas, de cualquier tamaño y formato, acceder a herramientas profesionales de gestión que les permitan optimizar sus recursos materiales y sus competencias para lograr los fines buscados.

quienes somos

somos un equipo interdisciplinario con formación académica y experiencia profesional en administración, producción artística, gestión de proyectos artísticos, marketing y comunicación, en el campo de las artes escénicas.

objetivos

- facilitar el éxito de proyectos y organizaciones culturales y artísticas a partir de la utilización de herramientas profesionales al servicio de la gestión.
- ayudar a que nuestros clientes sean mejor entendidos, recordados y preferidos por sus públicos.

clientes

- compañías independientes, agencias, productoras.
- teatros públicos o privados.
- organismos de gestión cultural, públicos o privados.
- fundaciones o empresas que busquen invertir fondos en proyectos culturales y artísticos.

equipo

mariana guazzaroni
laura kulfas
silvia tissembaum
andrea utard

contacto

theatrica@fibertel.com.ar
http://www.theatrica.com.ar/
+54-11-48037924